STAR-CROSSED #2 (of 5) (Mark Millar / Corrado Mastantuono)

Sharkey le chasseur de primes et son assistant, Extra Billy, se rendent chez le père du premier et découvrent que le soleil artificiel qui lui fournissait de l'énergie a été éteint par la compagnie qui le détient. Sharkey pense que la récompense offerte pour la capture de Thena Cole et Cody Blue permettraient de corriger ça. Mais les deux filles font face à une situation déjà dramatique...

Même les fans les plus indulgents de Mark Millar reconnaissent qu'il n'a plus la même inventivité que jadis et les comics du Millarworld fonctionnent selon des formules éprouvées. Cela fait partie du plaisir qu'on a à les lire parce que ça les rend confortables. Mais c'est aussi une limite à ce plaisir de lecture car ils sont prévisibles.

Et pourtant avec ce deuxième épisode de Star-Crossed, qui est, pour mémoire, un crossover entre les séries Space Bandits et Sharkey Bounty Hunter, Millar réussit à nouveau à surprendre. Les deux tiers de l'épisode sont pourtant assez classiques avec la visite de Sharkey à son père et l'apparition de deux nouveaux mercenaires lancés aux trousses de Thena Cole et Cody Blue.

Mais le dernier tiers réserve un twist inattendu, imprévisible, où Millar ose se frotter à un genre tout à fait inhabituel pour lui : le mélodrame. Et c'est vraiment ça, un mélodrame en bonne et due forme, avec des larmes, la forte probabilité d'une unhappy end. C'est tellement étonnant qu'on se demande ce que ça cache. Et la réponse est peut-être à chercher du côté de Millar lui-même...

Vous l'ignorez peut-être mais Millar souffre depuis de longues années de la maladie de Crohn. Cela l'a même conduit plusieurs fois à être hospitalisé et l'a éloigné de l'écriture à une époque. Il n'y a pas surmortalité flagrante mais c'est quand même une saleté qui peut être douloureuse et invalidante. Or Millar a pour ainsi dire toujours refusé d'explorer cela dans ses fictions.

La mort chez Millar est quelque chose dont on rigole, dont on ricane. Le scénariste adore mettre en scène des décès brutaux, il n'hésite pas à trancher dans le vif et à sacrifier des personnages. Mais justement cette distanciation empêche d'appréhender cela autrement que comme une sorte de farce. Sauf, peut-être, cette fois-ci.

Déjà dans The Magic Order, le dernier volume s'intitulait La mort de Cordelia Moonstone, mais le scénariste avait habilement contourné le sujet car tout cela se passait dans un monde de magiciens et son héroïne était une escapologiste. Avec Star-Crossed, ce n'est pas pareil : Thena Cole et Cody Blue n'ont pas de super pouvoirs, pas plus que Sharkey et Extra Billy. Ils peuvent mourir.

Je ne vais pas spoiler ce qui arrive à qui et comment ça impacte le récit (on verra combien d'épisodes je peux dissimuler cet élément narratif), mais en tout cas, ça donne à la série une dimension dramatique certaine, loin de ce qu'on pouvait penser au départ. Et forcément les personnages principaux sont bouleversés par cela.

Corrado Mastantuono livre une nouvelle fois de superbes planches. Avais-je précisé le mois dernier qu'il effectuait en partie la colorisation également ? En tout cas, il s'approprie ce récit, ses personnages, son univers avec une aisance remarquable. Et c'est cela aussi qu'il rend ce retournement de situation si efficace : lui non plus, on ne l'attendait pas sur ce genre de scène.

En outre, Mastantuono fait parler sa technique impeccable : comme tous les dessinateurs italiens rompus aux fumetti, il sait tout dessiner - décors, véhicules, monstres, aliens, personnages humanoïdes. C'est incroyablement satisfaisant de lire des pages aussi bien croquées, où l'artiste ne donne jamais l'impression de forcer tout en donnant le meilleur de lui-même.

Encore une fois, aussi, quel plaisir de voir une couverture de Stuart Immonen (il signe aussi celles du relaunch à venir d'Archie chez Oni Press dont le n°1 sort la semaine prochaine). Des couvertures, c'est tout ce qu'on a à se mettre sous la dent mais si c'est l'occasion pour Immonen de se refaire la main en attendant davantage, je prends !

Un épisode donc très surprenant, qui relance totalement la partie. Une mauvaise nouvelle quand même ? Il va falloir attendre le mois d'Octobre pour le n°3...

HAMMERFIST #1 (Rick Remender / Steve Epting)

Mike Denton est un mercenaire : il tue un mari violent ce soir-là et va se faire payer par la femme qui n'a que 60 $ à lui donner mais est prête à payer en nature s'il souhaite un supplément - ce qu'il refuse. Après avoir passé la nuit dans sa voiture, il est réveillé par William et sa femme Cindy qui lui propose une affaire juteuse - un peu trop à son goût...

Comme Geoff Johns (avec Ghost Machine), Rick Remender possède chez Image Comics son imprint, Giant Generator, et depuis 3 ans, il fait feu de tous bois, recrutant des artistes de premier rang pour des projets qu'il écrit le plus souvent seul. Hammerfist est sa nouvelle production et la présente comme une série hommage aux séries B d'action des 70's matinée de fantastique.

Ce premier épisode, à la pagination conséquente (plus de 40 pages), nous présente Mike Denton, un mercenaire qui exécute des contrats de toutes sortes, comme assassiner un mari violent. Il a une fille, Kaylee, avec qui il n'entretient pas de bons rapports, et pour oublier tout ça, il fume dans sa bagnole où il finit par s'endormir jusqu'à ce qu'un couple de malfrats lui offre un job très bien payé.

Remender pose les bases d'un polar bien noir avec un anti héros brisé comme il les affectionne. Mais dans sa dernière ligne droite, ce n°1 prend une direction inattendue : le braquage auquel participe Mike ne cible pas de l'argent mais un gant étrange, qui fait un penser à la main droite de Hellboy, et qui tire sa puissance de l'amour qu'on porte à quelqu'un.

Cet accessoire est supposé empêcher l'avènement d'une terrible menace et, comme prévu, les choses dérapent méchamment, au point que Mike hérite du gant et va devoir sauver le monde ! Ce postulat est étonnant et ambitionne d'être celui d'un récit de rédemption, celui d'un type qui n'a rien d'un gentil mais qui va devoir le prouver. L'occasion, peut-être, aussi de se rabibocher avec sa fille - et l'humanité...

Bon, je vais être tout à fait honnête : autant j'ai beaucoup aimé Remender quand il bossait chez Marvel (dont il est parti avec fracas en 2015, estimant que ce qu'il proposait n'était pas bien publié, quand ce n'était pas refusé), autant ses comics en creator-owned m'ont souvent laissé sur le bas-côté avec leur pessimisme absolu, malgré des dessinateurs extraordinaires.

Récemment, j'avais hésité à me lancer dans Escape (une série de guerre avec des héros anthropomorphiques, illustrée par Daniel Acuna) et The Seasons (avec Paul Azaceta). Mais je n'ai pas craqué parce que j'avais déjà beaucoup de choses à lire par ailleurs. Et puis, à la faveur d'un allégement de ma pile à lire, j'ai craqué pour Hammerfist.

La raison en est simple : Steve Epting. C'est un artiste que j'adore mais qui est bien trop rare et j'avais très envie de le suivre à nouveau sur une ongoing (Velvet avec Brubaker ou Sara et Partisan avec Garth Ennis étaient des minis, tout comme Telepaths avec J.M. Straczynski). Je pensais aussi qu'avec Remender, ça pouvait donner quelque chose de détonant.

Et c'est bien le cas : je ne veux pas trop m'avancer mais Hammerfist m'a l'air d'être une série avec la même approche que Low (avec Greg Tocchini), une histoire dure, âpre, mouvementée, mais avec une envie de lumière, de positivité. Et puis j'aime bien ce côté un peu grindhouse, avec ce mercenaire et son gant magique face à une menace mystique.

On peut dire ce qu'on veut de Remender, mais il ne s'endort pas sur ses lauriers et sa productivité laisse songeur. Son association avec Epting fait effectivement des étincelles : dès les premières pages, avec la colorisation magnifique de Matt Hollingsworth, on a droit à un style sombre et classico-réaliste de la meilleure facture, c'est sublime.

Les ambiances sont intenses, les personnages puissamment incarnés, l'intrigue est accrocheuse et palpitante. On se demande dans quel sens ça va aller et c'est réjouissant de lire quelque chose d'aussi imprévisible et qualitatif. Remender, on le sent, a quand même gardé une nostalgie de son temps chez Marvel, des super héros, mais il l'adapte à son univers, ses lubies.

Et Epting le traduit en images avec son génie imparable. C'est devenu un vétéran comme ceux avec qui il travaillait à ses débuts (l'encreur Tom Palmer notamment), son dessin a gardé cette élégance mais en se frottant aux aspects les plus râpeux de ce qu'écrit Remender, il sort de sa zone de confort (la série noire, l'espionnage, le récit de guerre) et, franchement, c'est jouissif.

Je l'avoue, la routine super héroïque met à l'épreuve le critique, parfois j'en ai un peu marre, rester motivé pour écrire devient plus délicat. Dans ces cas-là, se tourner vers la production indé, avec des équipes artistiques de ce niveau, c'est se retaper, se refaire la cerise. Et on se dit alors que le meilleur des mondes, c'est d'alterner pour ne pas se lasser. Hammerfist me l'a rappelé.

BLACK CAT #13 (G. Willow Wilson / Andrés Genolet)

Face à un monstre gigantesque sorti de la mer, le Punisher et Black Cat seront-ils de taille ? Et ensuite est-ce que tout sera pardonné entre eux ? Et au fait comment va vraiment le chien de Frank Castle percuté par la voiture de Felicia Hardy ?

Ici prend fin ce délicieux arc qui a vu Black Cat croiser la route du Punisher et, mon dieu, que cette série est plaisante ! En prime Marvel vient de confirmer que, cette fois c'est sûr, le titre devenait une série illimitée - ils auront mis le temps, mais ça, c'est vraiment une excellente nouvelle, comme la confirmation qu'il y a un public suffisant pour suivre les aventures de Felicia Hardy.

Alors, je le sais déjà, il y aura des grincheux qui diront : "mais, heu, c'est pas du vrai comics de super héros !", "mouais, c'est rigolo, mais ça casse pas des briques !", "ils ont ruiné Black Cat !"... Soupir... Que ceux-là aillent se faire voir ! Vous savez quoi ? Je n'en peux plus de ces fans qui râlent tout le temps : si ça ne vous plait pas, ne lisez plus !

Les comics de super héros sont majoritairement sérieux, et pour cause, la fin du monde est pratiquement au programme chaque mois. Et c'est bien (enfin... Tant que ça reste une fiction !), c'est une sorte de tradition, c'est le folklore. J'aime ça aussi. Mais, c'est bien aussi de pouvoir lire une BD cool, relaxante, où tout ne risque pas de disparaître tous les 30 jours.

Black Cat, c'est ça, c'est ce petit plaisir-là, et qui permet justement au reste de la production de justifier son existence, la récurrence de ses gimmicks dramatiques. Dans ce treizième épisode (mais non, je ne suis pas superstitieux. Être superstitieux, ça porte malheur !), encore une fois, ce qui compte, ce n'est pas la baston, les bons, les méchants, c'est le fun.

Le Punisher et Black Cat se chamaillent depuis trois mois et le malencontreux accident qui a failli coûter la vie au chien errant qu'a adopté Frank Castle quand Felicia Hardy, en cavale, l'a percuté en voiture. Et les voilà aux prises avec un énorme monstre marin. Vont-ils s'en sortir ? Et d'ailleurs d'où sort ce monstre ?

Si vous avez lu l'arc précédent, avec VenoMJ dans la zone négative, vous comprendrez mieux. Mais, comme je le disais, l'essentiel ici est ailleurs. Après avoir sauvé le Punisher de la noyade, le voilà tout attendri par Black Cat, un ange passe. Y aurait-il anguille sous roche ? Je ne vous spoile pas, mais la morale de l'histoire en quelque sorte, c'est qu'à défaut d'être amis quand on est une voleuse et un tueur de gangsters, on peut se reconnaître des accointances.

G. Willow Wilson est très forte pour créer des liens, des connections inattendues entre son héroïne et les gens qu'elle croise, mais celle-ci est particulièrement malicieuse et savoureuse. C'est tout le charme de cette série, légère certes, mais pas superficielle, qui ne se prend jamais au sérieux tout en étant faite sérieusement.

Andrés Genolet est excellent lui aussi pour illustrer ce genre de récit : son trait vif, l'expressivité de ses personnages, la simplicité de son découpage sont au service du script et j'espère plus que jamais qu'il va devenir l'artiste régulier de la série, étant entendu que Gleb Melnikov va la quitter prochainement (pour s'occuper d'Iron Man en alternance avec Carmen Carnero).

Il faudrait un malencontreux et durable dérapage pour que j'écrive du mal de Black Cat. Et ce n'est pas près d'arriver ! Le mois prochain, Felicia Hardy est embarquée dans Queen in Black...

DETECTIVE COMICS #1112 (Tom Taylor / Mikel Janin)

Après avoir libéré de son conditionnement mental la grand-mère d'Arabella, Batman lui explique pourquoi le Dr. Johns les a choisies pour exécuter des contrats sur les témoins à charge dans le dossier contre Kelp. A eux tous maintenant de faire honneur à la mémoire de Prion...

Avec cet épisode se conclut l'arc Flight et par la même occasion, j'arrête la série. La fin de cette histoire est au diapason de ce qui a précédé : ce n'est tout simplement pas bon, c'est même, à mon avis, ce que Tom Taylor a produit de plus mauvais. Si, au départ, j'appréciai son approche décomplexée du personnage de Batman, progressivement ça a fini par ne plus fonctionner.

Car, quand un super héros a deux séries, il faut au moins que chacune se démarque de l'autre. Je ne lis pas Action Comics, mais je sais que Mark Waid l'écrit en revenant sur les aventures de Clark Kent à Smallville quand il était encore Superboy. C'est totalement distinct de ce que propose chaque mois Joshua Williamson dans Superman.

Le premier arc de Batman par Matt Fraction ne me semble pas si éloigné de ce que fait Tom Taylor ici. Normalement, la série Batman est plutôt focus sur l'action tandis que Detective Comics souligne l'aspect enquêteur de Batman. Sauf que les intrigues de Taylor ne mettent pas beaucoup en valeur cette dimension.

Et quand bien même ce ne sont pas des récits tellement sophistiqués, en général on devine le fin mot de l'histoire avant la fin et ce n'est pas particulièrement satisfaisant. Ajoutez-y une manie assez désastreuse de créer des personnages antagonistes manquant singulièrement de charisme et qui n'intéresseront personne d'autre que Taylor, avec un recours récurrent à la continuité rétroactive, et ce n'est juste plus possible.

Voilà plus d'un an que ce scénariste est sur cette série et c'est absolument toujours le même schéma narratif qui est déployé. C'est un peu comme un cuistot qui préparerait toujours le même plat en changeant juste la sauce, ça ne suffit pas pour faire un menu suffisamment attractif. Et, de ce point de vue, l'arc qui se termine ce mois-ci est le pire de tous.

On a un jeune super héros mort dans des circonstances complètement idiotes, des lavages de cerveau, une façon de tuer qui fait passer des meurtres pour des morts naturelles, des témoins gênants éliminés, et même des costumes redesignés pour l'occasion qui sont tout bonnement ridicules (voir ci-dessus). C'est embarrassant, c'est même malaisant.

En vérité Tom Taylor m'apparaît comme un auteur plus apte à revivifier un héros plus ou moins secondaire (comme Nightwing qui, avec tout le respect qu'on lui doit, ne boxe quand même pas dans la même catégorie que Batman, Superman, Wonder Woman) qu'ayant les épaules pour assumer un personnage aussi emblématique que Batman.

Taylor n'a pas sur ce titre un concept assez fort comme il l'avait eu sur Nightwing (c'est d'ailleurs un peu pareil avec Fraction sur Batman). C'est quelqu'un qui peut être efficace, mais il n'est pas inventif. Filez-lui une série avec Green Arrow et Black Canary (qui secondent Batman dans cet arc), il pourra s'amuser et sans doute mieux convaincre.

C'est dommage aussi pour Mikel Janin qui a montré, lui, de belles choses. Mais au fond, Janin est devenu un peu prisonnier de Batman. Come son confrère Jorge Jimenez qui ne quitte plus le personnage malgré les différents scénaristes, j'aimerai le voir briller sur d'autres héros, d'autres genres d'histoires (si le départ prochain de Tom King et Daniel Sampere sur Wonder Woman se confirme, j'aimerai revoir Janin dessiner l'amazone).

Je n'aime pas m'entêter sur une série et je sentais poindre depuis un moment une lassitude sur celle-ci. Après ces six derniers épisodes, ce fut carrément une grosse fatigue. Je préfère en rester là.

LUCKY (Jonathan Tropper, 2026)

Luciana "Lucky" Armstrong et Cary Masterson fêtent à Las Vegas la réussite de leur audacieux braquage : ils ont dépouillé Wayne Whittaker, le père de Cary, de 10 M $ en cash. Mais au matin, Lucky se réveille seule : Cary est parti avec l'argent et le FBI arrive pour l'arrêter. Elle réussit à s'enfuir malgré tout mais l'agent Rand, à la tête de cette descente, repère sur les écrans de vidéo surveillance la jeune femme et se lance à sa recherche. Lucky prend un bus à destination du Grand Canyon et, lors d'une halte, manque de peu d'être arrêté par un des agents de Rand avant d'être capturé par Priscilla, sa belle-mère, et son bras-droit, Dutch.  

Lucky a beau jurer qu'elle n'a plus l'argent, Priscilla refuse de la croire et ses sbires l'enferment dans le coffre d'une voiture. Elle réussit à s'en tirer et à atteindre une maison isolée en plein désert où Sylvia l'héberge. Mais le FBI quadrille la zone et Rand finit par frapper à la porte de Sylvia. Lucky s'échappe avec la voiture de cette dernière et s'arrête dans une station-service où Dutch la surprend, après avoir écouté sur la fréquence de la police le signalement de la voiture et de la voleuse. Lucky fausse compagnie à Dutch en se cachant à l'arrière de son pick-up, sous une bache.

Cependant Priscilla a interrogé une faussaire à qui Cary aurait acheté de faux papiers sous une nouvelle identité et adresse, mais l'homme assure qu'elle se trompe. Dutch l'exécute. Lucky ramasse la carte d'identité du faussaire et se rend chez lui où elle se rend compte que Priscilla s'est trompée de cible : le véritable faussaire est le voisin et, en montrant ce qu'il peut faire à la jeune femme, elle voit la carte d'identité confectionnée pour Cary avec sa nouvelle adresse...

6 ans après le formidable Le Jeu de la Dame (sur Netflix), Lucky marque le retour d'Anya Taylor-Joy dans une nouvelle mini-série pour une plateforme de streaming, cette fois Apple TV+. Il fallait que le projet soit accrocheur pour l'éloigner du grand écran où elle enchaîne les films et cette adaptation du roman de Marissa Stapley par Jonathan Tropper était taillée sur mesure pour elle.

Lucky est une jeune voleuse qui a grandi avec son père depuis sa naissance (sa mère est morte en couches) et il en a fait son émule, l'entraînant dans de petites combines puis d'ambitieuses arnaques. C'est ainsi qu'ils se sont mis en affaires avec la redoutable Priscilla Masterson et l'infâme Wayne Whittaker. Lucky, elle, a épousé Cary, le fils de Priscilla, désireux de changer de vie comme elle.

Son père, Whittaker, l'ayant toujours ignoré et sa mère refusant de croire qu'on pouvait se détacher de ses racines, Cary a osé l'impensable avec Lucky : dépouiller ces deux-là de la coquette somme de  millions de dollars. Puis il a commis l'impardonnable : abandonner Lucky en partant avec l'argent. A moins qu'il ait été enlevé ? Et tué ?

C'est ce que va s'employer à résoudre Lucky pendant les quatre premiers épisodes, avec le soutien de son père au téléphone (il purge une peine de prison après avoir été  pris avec Priscilla, qui, elle, est sortie plus vite grâce à Wayne). Une fois Cary retrouvé, elle le confronte et il tente de justifier son geste. Mais le FBI et les sbires de Whittaker sont déjà à sa porte...

Lucky est donc un polar en bonne et due forme, avec ses voleurs, ses agents du FBI, et surtout les familles qu'on n'a pas choisies mais qu'on est désormais assez vieux pour vouloir quitter, se poser, rentrer dans le rang. Finalement, cette série parle surtout de cette dernière partie, insistant sur la responsabilité de parents qui ont préféré avoir des héritiers que des descendants.

Dans l'épisode 6, Lucky et John, son père, ont une explication à bâtons rompus sur ce que lui à fait subir à la petite fille qu'elle était puis à la jeune femme qu'elle est devenue. Il a beau se défendre en lui disant qu'ils ont passé ensemble plus de temps que n'importe quel père et sa fille, que ce qu'il lui a enseigné vaut largement tout ce que l'école dispense, les arguments de Lucky sont imparables.

Et quand, après une nuit de réflexion, John, sur le point de voir sa fille partir effectuer un échange dangereux, reconnaît ses torts, ni elle ni le spectateur ne savent si ce père aimant mais maladroit saura lui aussi s'arrêter où s'il continuera sa vie de bandit. Mais en revanche, nous savons que Lucky a eu un vrai père contrairement à Cary pour qui ni sa mère ni son père n'ont jamais joué le rôle de parents.

L'agent Rand est elle aussi une mère et sa fille lui en veut terriblement de privilégier son travail à sa vie de famille, jusqu'à ce que cette femme se trouve dans un lit d'hôpital et que son supérieur menace de lui retirer l'affaire. Toutefois Rand est, en fin de compte, comme John, Priscilla et Wayne, trop marquée parce qu'elle fait pour faire passer son enfant avant sa mission.

C'est pour cela, ces thématiques, que Lucky vaut vraiment le coup. Parce que son intrigue policière, en forme de course-poursuite, est, hélas ! moins aboutie qu'espérée. Trop souvent pour que cela soit crédible (ne parlons même pas de réalisme) Lucky réussit à semer ses adversaires, survit-elle à des accidents, des mauvais traitements.

A force cela nuit à l'efficacité du polar : Lucky a trop de chance pour qu'on y croit. Elle bluffe trop pour que ses ennemis acceptent de la suivre. Dans le dernier épisode, Whittaker est écrit comme la crapule machiavélique et intelligente qu'il est vraiment et permet de comprendre pourquoi, lui, ne tremble jamais, n'hésite jamais.

Mais Priscilla ou John n'ont pas cette densité dans la caractérisation : elle est une espèce de psychopathe, digne des Atrides, et lui est trop joueur et insouciant pour qu'on puisse admettre qu'il joue autant avec la vie de sa fille. Si les scénaristes avaient zappé Whittaker pour transférer sa personnalité directement à Priscilla, OK. Et si John avait été un peu moins flambeur...

Enfin, il est regrettable que la série, avec ses sept épisodes, n'ait pas accordé plus de place au personnage de Cary car c'est bien lui qui est à l'origine de tout. Par ailleurs, Drew Starkey (révélé dans Outer Banks sur Netflix, et qui est excellent) qui l'incarne n'est crédité que lors du quatrième épisode, alors qu'il apparaît substantiellement dans le premier et dans les flashbacks des deux suivants. Pourquoi ?

D'une certaine manière, on se demande si Lucky n'aurait pas fait un meilleur film qu'une série. La narration est parfois trop décompressée et dans un format unitaire, tout aurait gagné en intensité, en force dramatique. En tout cas, sept épisodes, c'est trop pour un tel projet qui s'étire parfois inutilement pour connaître une dernière ligne droite nettement plus percutante.

Anya Taylor-Joy est une actrice prodigieuse et elle anime Lucky d'une détermination farouche, motivée par sa lassitude d'une vie qu'elle n'a pas choisie et qui lui coûte énormément. Timothy Olyphant joue son père avec beaucoup de malice et de charme, parfois un chouia trop. Annette Bening est assez stupéfiante en mère possessive. William Fichtner est impeccable en caïd glaçant. Et Aunjaunue Ellis-Taylor campe une agent du FBI obsédée jusqu'à la folie.

On notera que : Reese Witherspoon compte au nom des productrices du show et que Fiona Apple a écrit, composé et chanté le générique de la série.

Lucky n'est donc pas aussi bon qu'on l'aurait aimé, même si c'est un divertissement de grande classe.

LOBO #6 (Skottie Young / Riley Rossmo, Jorge Corona)

Lobo a été missionné par le président de l'Omni Omega+ Entertainment Corp. de rappeler à la fée des dents qu'elle doit de l'argent à la compagnie. Le mercenaire se pointe donc en enfer (après avoir obtenu un droit de passage dans les limbes) et s'acquitte de son job, non sans perdre quelques ratiches...

On reprend là où on s'était arrêté le mois dernier et voici le Main Man qui se pointe en enfer. D'abord il passe au bureau d'un certain Verek Dood (qui ressemble fort à Trump) puis croise John Constantine et vient réclamer de l'argent à la fée des dents car elle a bâti son business grâce au fric prêté par l'employer de Lobo.

 

Skottie Young semble presque s'autociter dans cet épisode qui fait penser à sa propre série I Hate Fairyland. La fée des dents chez les anglo-saxons est l'équivalent, chez nous, de la petite souris qui vient collecter les dents des enfants quand elle tombe. Mais la version qui en est ici donnée, mieux vaut ne pas la montrer aux chérubins, ils en feraient des cauchemars.

Elle n'est en effet pas commode et surtout on découvre ce qu'elle fait des fameuses dents - un modèle d'économie circulaire ! Young ne respecte décidément rien et situe l'action en enfer, peuplé évidemment de créatures abominables, comme ces gardiens ailés qui veillent à ce qu'on ne dérange pas la fée, surtout si on n'a pas rendez-vous. Mais est-ce que ça va arrêter Lobo ?

Bien sûr que non ! Et l'échange qui va suivre ne sera guère plus aimable. Mais, même en y perdant sa denture, Lobo a de la ressource - et du mordant ! C'est affreusement drôle, même si la construction de la série à coup d'épisodes done-in-one ou d'histoires en deux parties peut frustrer. Toutefois, dans les deux dernières pages, le scénariste suggère qu'un vilain a un plan pour s'en prendre efficacement au mercenaire...

Même si, donc, on peut émettre de légères réserves après six mois de publication, Lobo reste un véritable ovni dans le monde des comics mainstream actuels. Son mauvais esprit, sa brutalité bourrine, son humour trash, son héros à la fois abruti et coriace, son chien hilarant, tout ça forme un ensemble savoureux, qui vous redonne du pep's pour le reste du mois.

C'est vraiment chouette que DC ose ainsi, et ce n'est pas fini puisque dans les prochains mois on verra les retours du Démon (Etrigan, par James Harren), de Jonah Hex (par Michael Walsh)... Autant d'anti-héros qui défrisent mais séduisent parce que le lecteur sent que l'éditeur laisse carte blanche aux auteurs. Une telle confiance, à la fois dans le talent des artistes et l'intelligence du fan, ne peut que payer.

Pour cet épisode, la série reçoit un invité au dessin en la personne du génial Riley Rossmo : son goût pour les gueules, les décors bizarres, l'action est parfait pour Lobo. Il le représente avec d'énormes bottes, des jambes minces, et le haut du corps disproportionné, avec une chevelure encore plus ébouriffée que d'habitude. C'est différent de Jorge Corona, mais tout aussi abouti.

Corona n'est pas complètement absent puisqu'il dessine les deux dernières pages, une sorte de teaser pour ce qui va suivre et qui semble, si on se fie aux sollicitations de Novembre qui viennent de tomber, parti pour trouver sa culmination au #9. Cela vient à point pour prouver que Young a un vrai plan et ne va pas se contenter de déconner (même si ça suffirait à me combler).

Il faut vraiment espérer que Urban Comics traduise cette série parce que ce serait priver les fans français d'une pépite.

QUEEN IN BLACK #3 (of 5) (Al Ewing / Iban Coello, Paco Medina)

Eddie Brock a fusionné avec le symbiote Sleeper et s'occupe des soldats Kree que Hela a asservis avec d'autres symbiotes pendant que VenoMJ et Spider-Man emmènent Dylan Brock au Baxter Building. Mr. Fantastic a en effet une idée pour régler le conflit...

Comme le précédent épisode, ce n° de Queen in Black s'ouvre avec une scène spectaculaire et très amusante où Fing Fang Foom possédé par un symbiote menace de faire tomber la Tour de Pise avant que Captain Marvel, Emma Frost, le Fauve et quelques géants (Black Goliath, Atlas, Giant Man) n'interviennent.

C'est pour ainsi dire ce qu'il y a de mieux dans cet épisode - et peut-être dans cet event. On sent que Al Ewing a envie de s'amuser en poussant tous les potards dans le rouge et oser le WTF complet. Mais on sent aussi que, dans son dos, un editor veille et le ramène sur les rails pour écrire une histoire plus conforme à ce que Marvel exige en termes de sagas événementielles.

Et, donc, on renoue par la suite avec des scènes beaucoup plus convenues, moins rigolotes, avec un tas de symbiotes moins délirants (quoique la dernière page...). Cela fait aussi ressortir les incohérences du récit et elles sont nombreuses. Par exemple, où est Knull, celui qu'on nous annonçait comme le futur challenger de Hela et qu'on n'a plus vu depuis le 1er épisode ?

On peut aussi se demander comment Eddie Brock s'est évadé de prison et a si vite retrouver le symbiote Sleeper pour fusionner avec lui. Cela évente du coup complètement ce qui restait de suspense quand à l'avenir du personnage, qui va bien entendu récupérer Venom à la fin de cette affaire. On se croirait revenu au temps où surgissaient des Hulk de partout avec Jeph Loeb...

Entre deux bastons (VenoMJ écartant des... Symbiotes, je vois que vous suivez, c'est bien), on a quand même droit à quelques dialogues comme quand Spider-Man tente de faire comprendre à Dylan Brock qu'il ne tolérera aucun meurtre (car, après tous, les symbiotes possèdent des hôtes innocents pour la plupart) - notion que MJ discute quelque peu (à moins que ce ne soit Venom qui ne parle à ce moment-là).

Mais là aussi, Ewing est obligé d'abréger et l'échange donne le sentiment d'une occasion manquée. C'est assez curieux parce que dans Venom #260, la semaine dernière, le scénariste s'attachait à rendre Dylan Brock un peu plus sympathique... Et dans Queen in Black #3, il en fait à nouveau un gamin insupportable. Ewing sait-il seulement quel visage il veut donner à Dylan ? Ou bien là encore a-t-on droit à un interférence éditoriale ?

Les dessins sont encore une fois signés Paco Medina (au début et à la fin), pour le meilleur, dans un style efficace et clair, et Iban Coello (pour le reste), dans un registre plus nerveux et parfois plus approximatif, avec une tendance marquée à l'exagération des expressions. Cela ne joue pas en faveur de l'event qui manque d'unité graphique.

Ce n'est pas très bon, reconnaissons-le. Et je regrette de m'être laissé entraîner là-dedans. J'aurai aimé que Ewing s'en sorte mieux, ou ait les mains plus libres. Mais le résultat est là et je ne le vois pas changer d'ici les deux prochains chapitres.